Untitled Art Fair 2025
SECCI è lieta di annunciare la propria partecipazione a Untitled Art Miami 2025, che si terrà dal 2 al 7 dicembre 2025.
Per questa edizione, SECCI presenterà una selezione curata di opere di Patrick Alston, Mai Blanco, Chico da Silva, Andrea Galvani, Kevin Francis Gray, Alteronce Gumby, Franco Mazzucchelli, Omar Mismar, Alfredo Pirri, Levi van Veluw e Apichaya Wannakit.
La galleria sarà situata allo Stand A31.
SECCI è lieta di annunciare la propria partecipazione a Untitled Art Miami 2025, che si terrà dal 2 al 7 dicembre 2025.
Per questa edizione, SECCI presenterà una selezione curata di opere di Patrick Alston, Mai Blanco, Chico da Silva, Andrea Galvani, Kevin Francis Gray, Alteronce Gumby, Franco Mazzucchelli, Omar Mismar, Alfredo Pirri, Levi van Veluw e Apichaya Wannakit.
La galleria sarà situata allo Stand A31.
Installation views, Untitled Miami 2025. ph Gabriele Abruzzese. Courtesy the Artists and SECCI
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Installation views, Untitled Miami 2025. ph Gabriele Abruzzese. Courtesy the Artists and SECCI- Installation views, Untitled Miami 2025. ph Gabriele Abruzzese. Courtesy the Artists and SECCI
- Installation views, Untitled Miami 2025. ph Gabriele Abruzzese. Courtesy the Artists and SECCI
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Francisco Domingos da Silva, conosciuto come Chico da Silva, è nato ad Alto Tejo, nello stato brasiliano di Acre, figlio di un indiano peruviano e di una donna dello stato del Ceará. L’anno della sua nascita, basato su ricerche di diverse fonti, è inconcludente, ma si stima che l’artista sia nato nel 1910 (Fondazione Biennale di São Paulo) o nel 1922 (Catalogo della sua prima mostra personale a Fortaleza, 1961; Estrigas, 1988). Chico da Silva, fin da giovane, ha viaggiato in tutto il nord e il nord-est del Brasile prima di stabilirsi a Fortaleza, Ceará.
All’inizio degli anni ’40, iniziò a disegnare con carboncino e gesso sulle pareti delle case a Praia Formosa. Nel 1943, Chico incontrò il pittore svizzero Jean-Pierre Chabloz (1910-1984), che lo introdusse nel circuito artistico locale. Nello stesso anno, partecipò alla mostra collettiva Salão de Abril, seguita dal 3° Salão Cearense de Belas Artes, nel 1944. Barboza Leite, riferendosi alla produzione iniziale di Chico nel suo libro “Esquema da Pintura no Ceará” (1949), la descrisse come segue: “[…] le forme imprecise e nebulose, ma dosate con un’intensità poetica su tutta la superficie, dei dipinti di F. Silva”.
Nel 1945, Chabloz espose i dipinti di Chico da Silva insieme ad Antonio Bandeira (1922-1967) e Inimá de Paula (1918-1999) alla Galeria Askanasy di Rio de Janeiro. Nei tre anni successivi, l’artista svizzero effettuò viaggi occasionali in Europa, tornando permanentemente nel continente nel 1948. Chabloz si dedicò a promuovere il lavoro di Chico, organizzando la sua prima mostra personale alla Galerie Pour L’Art, a Losanna, nel 1952. Nel dicembre dello stesso anno, pubblicò l’articolo “Un Indien brésilien ré-invente la Peinture” nella prestigiosa rivista d’arte Cahiers D’Art, gestita da Christian Zervos.
La partenza del suo amico e mentore ebbe un grande impatto sulla produzione di Chico da Silva, e durante il soggiorno di Chabloz in Europa, egli tenne un numero limitato di mostre in Brasile. Continuando la sua rappresentanza all’estero, partecipò nel 1956 alla mostra Arts primitifs et modernes brésiliens al Musée d’ethnographie de Neuchâtel, in Svizzera. L’inizio degli anni ’60 segnò il ritorno di Chabloz in Brasile per un breve periodo: lo svizzero tornò in Europa nel luglio 1960, dove rimase per due anni, facilitando così la reintegrazione di Chico nel gruppo di artisti di Fortaleza.
Il 10 aprile 1961, Chico da Silva inaugurò la sua prima mostra personale in Brasile, che si tenne presso la Sede dei Diários Associados, a Fortaleza, dove presentò dieci opere. Secondo il testo del catalogo presentato dall’allora Governatore Parsifal Barroso, le sue “misteriose storie delle giungle, dove animali e accidenti della natura interferiscono come se fossero creature umane […] rappresentano la migliore fase del pittore, soprattutto per la colorazione, l’immaginazione e il movimento dei temi”.
Nel 1959, Chico da Silva fu assunto dall’UFC – Università Federale del Ceará per sviluppare le attività del MAUC – Museo d’Arte dell’Università Federale del Ceará. La sua partecipazione all’Università durò fino al 1963, quando espose alla Galeria Relevo, a Rio de Janeiro, tramite l’intermediazione di Jean Boghici (1928-2015). Nello stesso anno, si avvicinò a Henrique Bluhm, che iniziò il processo di commercializzazione del suo lavoro. Fu durante questo periodo che Chico da Silva stabilì la sua immagine come il Mestre da Escola do Pirambu, collaborando strettamente con giovani artisti interessati ad apprendere l’arte della pittura. Nel 1965, partecipò alla mostra 8 peintres naïfs brésiliens alla Galerie Jacques Massol di Parigi.
Chico da Silva, il cui contributo all’arte brasiliana è innegabile, ha avuto una carriera segnata da eventi significativi e sfide personali. La sua partecipazione alla 33ª Biennale di Venezia nel 1966, dove ricevette una Menzione d’Onore, rappresenta uno dei momenti culminanti della sua carriera. L’apprezzamento per la sua tecnica meticolosa e la fusione di elementi fisici e soggettivi nella pittura hanno messo in luce il suo talento unico. La lettera di Clarival do Prado Valadares, in cui si evidenzia l’importanza delle opere non esposte, sottolinea quanto fosse innovativa la sua arte e quanto potesse rappresentare la cultura indigena brasiliana a livello internazionale.
Tuttavia, gli anni ’60 e ’70 furono anche caratterizzati da difficoltà personali, tra cui la rivendicazione di autori alternativi delle sue opere, che influenzarono negativamente la sua salute mentale e fisica. Nonostante questi ostacoli, Chico continuò a esporre e a condividere la sua visione artistica fino agli ultimi anni della sua vita. La sua morte nel 1985 a Fortaleza ha lasciato un vuoto significativo nel panorama artistico brasiliano, ma il suo legato come “genio primitivista” continua a influenzare e ispirare artisti e appassionati d’arte.
Chico da Silva è ricordato per la sua capacità di integrare le cosmologie popolari del nord e del nord-est del Brasile nelle sue opere, evidenziando la ricchezza della fauna e della flora brasiliana non solo come elementi decorativi, ma come espressioni formali dell’organicità e della complessità dell’Amazzonia.
Francisco Domingos da Silva, conosciuto come Chico da Silva, è nato ad Alto Tejo, nello stato brasiliano di Acre, figlio di un indiano peruviano e di una donna dello stato del Ceará. L’anno della sua nascita, basato su ricerche di diverse fonti, è inconcludente, ma si stima che l’artista sia nato nel 1910 (Fondazione Biennale di São Paulo) o nel 1922 (Catalogo della sua prima mostra personale a Fortaleza, 1961; Estrigas, 1988). Chico da Silva, fin da giovane, ha viaggiato in tutto il nord e il nord-est del Brasile prima di stabilirsi a Fortaleza, Ceará.
All’inizio degli anni ’40, iniziò a disegnare con carboncino e gesso sulle pareti delle case a Praia Formosa. Nel 1943, Chico incontrò il pittore svizzero Jean-Pierre Chabloz (1910-1984), che lo introdusse nel circuito artistico locale. Nello stesso anno, partecipò alla mostra collettiva Salão de Abril, seguita dal 3° Salão Cearense de Belas Artes, nel 1944. Barboza Leite, riferendosi alla produzione iniziale di Chico nel suo libro “Esquema da Pintura no Ceará” (1949), la descrisse come segue: “[…] le forme imprecise e nebulose, ma dosate con un’intensità poetica su tutta la superficie, dei dipinti di F. Silva”.
Nel 1945, Chabloz espose i dipinti di Chico da Silva insieme ad Antonio Bandeira (1922-1967) e Inimá de Paula (1918-1999) alla Galeria Askanasy di Rio de Janeiro. Nei tre anni successivi, l’artista svizzero effettuò viaggi occasionali in Europa, tornando permanentemente nel continente nel 1948. Chabloz si dedicò a promuovere il lavoro di Chico, organizzando la sua prima mostra personale alla Galerie Pour L’Art, a Losanna, nel 1952. Nel dicembre dello stesso anno, pubblicò l’articolo “Un Indien brésilien ré-invente la Peinture” nella prestigiosa rivista d’arte Cahiers D’Art, gestita da Christian Zervos.
La partenza del suo amico e mentore ebbe un grande impatto sulla produzione di Chico da Silva, e durante il soggiorno di Chabloz in Europa, egli tenne un numero limitato di mostre in Brasile. Continuando la sua rappresentanza all’estero, partecipò nel 1956 alla mostra Arts primitifs et modernes brésiliens al Musée d’ethnographie de Neuchâtel, in Svizzera. L’inizio degli anni ’60 segnò il ritorno di Chabloz in Brasile per un breve periodo: lo svizzero tornò in Europa nel luglio 1960, dove rimase per due anni, facilitando così la reintegrazione di Chico nel gruppo di artisti di Fortaleza.
Il 10 aprile 1961, Chico da Silva inaugurò la sua prima mostra personale in Brasile, che si tenne presso la Sede dei Diários Associados, a Fortaleza, dove presentò dieci opere. Secondo il testo del catalogo presentato dall’allora Governatore Parsifal Barroso, le sue “misteriose storie delle giungle, dove animali e accidenti della natura interferiscono come se fossero creature umane […] rappresentano la migliore fase del pittore, soprattutto per la colorazione, l’immaginazione e il movimento dei temi”.
Nel 1959, Chico da Silva fu assunto dall’UFC – Università Federale del Ceará per sviluppare le attività del MAUC – Museo d’Arte dell’Università Federale del Ceará. La sua partecipazione all’Università durò fino al 1963, quando espose alla Galeria Relevo, a Rio de Janeiro, tramite l’intermediazione di Jean Boghici (1928-2015). Nello stesso anno, si avvicinò a Henrique Bluhm, che iniziò il processo di commercializzazione del suo lavoro. Fu durante questo periodo che Chico da Silva stabilì la sua immagine come il Mestre da Escola do Pirambu, collaborando strettamente con giovani artisti interessati ad apprendere l’arte della pittura. Nel 1965, partecipò alla mostra 8 peintres naïfs brésiliens alla Galerie Jacques Massol di Parigi.
Chico da Silva, il cui contributo all’arte brasiliana è innegabile, ha avuto una carriera segnata da eventi significativi e sfide personali. La sua partecipazione alla 33ª Biennale di Venezia nel 1966, dove ricevette una Menzione d’Onore, rappresenta uno dei momenti culminanti della sua carriera. L’apprezzamento per la sua tecnica meticolosa e la fusione di elementi fisici e soggettivi nella pittura hanno messo in luce il suo talento unico. La lettera di Clarival do Prado Valadares, in cui si evidenzia l’importanza delle opere non esposte, sottolinea quanto fosse innovativa la sua arte e quanto potesse rappresentare la cultura indigena brasiliana a livello internazionale.
Tuttavia, gli anni ’60 e ’70 furono anche caratterizzati da difficoltà personali, tra cui la rivendicazione di autori alternativi delle sue opere, che influenzarono negativamente la sua salute mentale e fisica. Nonostante questi ostacoli, Chico continuò a esporre e a condividere la sua visione artistica fino agli ultimi anni della sua vita. La sua morte nel 1985 a Fortaleza ha lasciato un vuoto significativo nel panorama artistico brasiliano, ma il suo legato come “genio primitivista” continua a influenzare e ispirare artisti e appassionati d’arte.
Chico da Silva è ricordato per la sua capacità di integrare le cosmologie popolari del nord e del nord-est del Brasile nelle sue opere, evidenziando la ricchezza della fauna e della flora brasiliana non solo come elementi decorativi, ma come espressioni formali dell’organicità e della complessità dell’Amazzonia.
Andrea Galvani (nato in Italia nel 1973) vive e lavora da molti anni tra New York e Città del Messico. La sua ricerca concettuale si avvale di fotografia, disegno, scultura, performance, neon, materiali d’archivo e grandi audio e video installazioni che vengo sviluppate intorno all’ architettura degli spazi espositivi. I suoi progetti sembrano aumentare la nostra consapevolezza, attingendo a concetti e strumenti provenienti da diverse discipline e assumendo spesso linguaggi e metodologie di carattere scientifico.
Il lavoro di Galvani è stato esposto a livello internazionale in importanti musei e spazi istituzionali tra cui ricordiamo: il Whitney Museum di New York, la 4th Moscow Biennale of Contemporary Art di Mosca, Mediations Biennale di Poznan, in Polonia, Aperture Foundation, New York; The Calder Foundation, New York; Pavilion – Center for Contemporary Art and Culture, Bucharest; il Mart Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto; Museo Macro, Roma; GAMeC, Bergamo; De Brakke Grond, Amsterdam; Den Frie Centre of Contemporary Art, Copenaghen; Sculpture Center, New York; e molti altri. Le sue opere fanno parte delle principali collezioni pubbliche e private in Europa, nelle Americhe, in Asia e in Africa, tra cui: la Collezione permanente presso il Dallas Museum of Art, Texas; Deutsche Bank Collection, Londra; Artist Pension Trust, New York; la Contemporary Art Society, Aspen Collection, New York; la UniCredit Art Collection, Milano; the Permanent Collection of the United States Library of Congress, Prints and Photographs Division, Washington, DC; il Mart Museum of Modern and Contemporary Art di Trento e Rovereto; la 500 Capp Street Foundation, San Francisco; MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo, Roma; The Armory Show, New York e MACRO Testaccio, Roma. Tra i moltissimi grant e residency internazionali ricordiamo la sua partecipazione a Location One International Artist Residency Program a New York (2008), LMCC Lower Manhattan Cultural Council (2009), e il MIA Artist Space / Columbia University Department of Fine Arts (2010). Nel 2011 ha ricevuto il New York Exposure Prize ed è stato nominato per il prestigioso Deutsche Börse Photography Prize. Nel 2016, il Museo del Mart di Trento e Rovereto ha presentato la prima retrospettiva midcareer di Galvani in Europa. Nel 2017, il suo lavoro è stato selezionato per rappresentare la Deutsche Bank Collection a Frieze New York. Nel 2019 ha ricevuto il prestigioso Audemars Piguet Prize.
Andrea Galvani (nato in Italia nel 1973) vive e lavora da molti anni tra New York e Città del Messico. La sua ricerca concettuale si avvale di fotografia, disegno, scultura, performance, neon, materiali d’archivo e grandi audio e video installazioni che vengo sviluppate intorno all’ architettura degli spazi espositivi. I suoi progetti sembrano aumentare la nostra consapevolezza, attingendo a concetti e strumenti provenienti da diverse discipline e assumendo spesso linguaggi e metodologie di carattere scientifico.
Il lavoro di Galvani è stato esposto a livello internazionale in importanti musei e spazi istituzionali tra cui ricordiamo: il Whitney Museum di New York, la 4th Moscow Biennale of Contemporary Art di Mosca, Mediations Biennale di Poznan, in Polonia, Aperture Foundation, New York; The Calder Foundation, New York; Pavilion – Center for Contemporary Art and Culture, Bucharest; il Mart Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto; Museo Macro, Roma; GAMeC, Bergamo; De Brakke Grond, Amsterdam; Den Frie Centre of Contemporary Art, Copenaghen; Sculpture Center, New York; e molti altri. Le sue opere fanno parte delle principali collezioni pubbliche e private in Europa, nelle Americhe, in Asia e in Africa, tra cui: la Collezione permanente presso il Dallas Museum of Art, Texas; Deutsche Bank Collection, Londra; Artist Pension Trust, New York; la Contemporary Art Society, Aspen Collection, New York; la UniCredit Art Collection, Milano; the Permanent Collection of the United States Library of Congress, Prints and Photographs Division, Washington, DC; il Mart Museum of Modern and Contemporary Art di Trento e Rovereto; la 500 Capp Street Foundation, San Francisco; MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo, Roma; The Armory Show, New York e MACRO Testaccio, Roma. Tra i moltissimi grant e residency internazionali ricordiamo la sua partecipazione a Location One International Artist Residency Program a New York (2008), LMCC Lower Manhattan Cultural Council (2009), e il MIA Artist Space / Columbia University Department of Fine Arts (2010). Nel 2011 ha ricevuto il New York Exposure Prize ed è stato nominato per il prestigioso Deutsche Börse Photography Prize. Nel 2016, il Museo del Mart di Trento e Rovereto ha presentato la prima retrospettiva midcareer di Galvani in Europa. Nel 2017, il suo lavoro è stato selezionato per rappresentare la Deutsche Bank Collection a Frieze New York. Nel 2019 ha ricevuto il prestigioso Audemars Piguet Prize.
Kevin Francis Gray, nato nel 1972 in Irlanda del Nord, vive e lavora tra Londra e l’Italia.
Kevin Francis Gray ha generato un corpo di lavoro che affronta la complessa relazione tra astrazione e figurazione. La sua ricerca artistica si basa sull’intersezione tra tecniche di scultura tradizionale e vita contemporanea. Anziché lavorare verso ideali di bellezza o di memoria, Gray si focalizza sugli effetti psicologici dei suoi soggetti, spesso sfruttando superfici materiche per esprimere stati mentali, posture facciali o corporee. Dopo dieci anni dedicati alla lavorazione del marmo, i nuovi lavori di Gray cercano di spingere la pratica scultorea dell’artista verso nuovi territori di espressione fisica e psicologica.
Si è laureato presso il National College of Art & Design di Dublino (1995) e presso la School of Art Institute di Chicago (1996), per poi proseguire con un Master in Belle Arti presso il Goldsmiths College di Londra. Lavora a stretto contatto con lo studio di marmo Giannoni, a Pietrasanta, noto per l’impiego di tecniche scultorie risalenti a Canova e Michelangelo. Le sue opere hanno fatto parte di mostre presso la Royal Academy, Londra, UK; il Sudeley Castle, Winchcombe, Gloucestershire, UK; il Museum of Contemporary Art della Val de- Marne, Parigi, Francia; il Nieuw Dakota, Amsterdam; il Palazzo Arti Napoli, Napoli, Italia; il Musee d’Art Moderne, Saint-Etienne, Francia; l’ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spagna; il Tel-Aviv Museum of Art, Tel Aviv, Israele; e l’Art Space, New York, USA.
Kevin Francis Gray, nato nel 1972 in Irlanda del Nord, vive e lavora tra Londra e l’Italia.
Kevin Francis Gray ha generato un corpo di lavoro che affronta la complessa relazione tra astrazione e figurazione. La sua ricerca artistica si basa sull’intersezione tra tecniche di scultura tradizionale e vita contemporanea. Anziché lavorare verso ideali di bellezza o di memoria, Gray si focalizza sugli effetti psicologici dei suoi soggetti, spesso sfruttando superfici materiche per esprimere stati mentali, posture facciali o corporee. Dopo dieci anni dedicati alla lavorazione del marmo, i nuovi lavori di Gray cercano di spingere la pratica scultorea dell’artista verso nuovi territori di espressione fisica e psicologica.
Si è laureato presso il National College of Art & Design di Dublino (1995) e presso la School of Art Institute di Chicago (1996), per poi proseguire con un Master in Belle Arti presso il Goldsmiths College di Londra. Lavora a stretto contatto con lo studio di marmo Giannoni, a Pietrasanta, noto per l’impiego di tecniche scultorie risalenti a Canova e Michelangelo. Le sue opere hanno fatto parte di mostre presso la Royal Academy, Londra, UK; il Sudeley Castle, Winchcombe, Gloucestershire, UK; il Museum of Contemporary Art della Val de- Marne, Parigi, Francia; il Nieuw Dakota, Amsterdam; il Palazzo Arti Napoli, Napoli, Italia; il Musee d’Art Moderne, Saint-Etienne, Francia; l’ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spagna; il Tel-Aviv Museum of Art, Tel Aviv, Israele; e l’Art Space, New York, USA.
Alfredo Pirri è nato a Cosenza nel 1957. Vive e lavora a Roma, dove è uno dei più noti artisti attivi. Sempre a Roma ha frequentato l’Accademia di Belle Arti, prendendo il diploma in pittura.
Il suo lavoro al confine tra pittura e scultura, architettura e installazione s’impone all’attenzione del pubblico internazionale fin dalla metà degli anni ottanta.
La materia, il volume, il colore e lo spazio sono i principali strumenti della sua poetica. L’originalità del suo lavoro risiede nell’utilizzo della pittura come veicolo di luce e della luce come elemento architettonico e spaziale. Lo spazio diventa paesaggio abitato da sculture plastiche in cui la superficie pittorica crea presenze di luce e ombre. L’arte di Alfredo Pirri crea un confronto armonico con l’architettura e tende costantemente alla creazione di un luogo archetipale, spazio abitabile e allo stesso tempo luogo di una funzione pubblica. Alfredo Pirri ha esposto i suoi lavori in numerosi musei e biennali, nazionali e internazionali, tra cui ricordiamo: Eduardo Secci Milano (2021); Castello Maniace, Siracusa (2021); MACRO Testaccio, Roma (2017); Fondazione Nomas, Roma; (2016), Museo Novecento, Firenze (2015); London Design Festival (2015); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma con l’installazione semi-permanente “Passi” (2012-2016); Palazzo Te, Mantova (2013) e Project Biennial D-0 ARK Underground Konjic, Bosnia Herzegovina (2013), dove “Passi” è in esposizione permanente; Museo Archeologico Nazionale Reggio Calabria, con l’opera “Piazza”, che integra lo spazio museale in modo permanente (2011); Centro Arti Visive Pescheria, Pesaro (2007); Maison Européenne de la Photographie, Parigi (2006); Biennale dell’Avana (2001); Accademia di Francia a Roma -Villa Medici (2000); MoMa PS1, New York (1999); Walter Gropius Bau, Berlino (1992); Biennale d’Arte di Venezia (1988). Ha collaborato con gli architetti Nicola di Battista (attuale direttore della rivista Domus), Paolo Desideri (ABDR) e Efisio Pitzalis (Studio PROAP) Lisbona. I frutti di queste proficue collaborazioni sono stati esposti in una mostra-studio tenutasi alla British School of Rome nel maggio 2015. Ha insegnato alla Bezalel Academy of Arts and Design di Gerusalemme, all’Università La Sapienza di Roma, all’Accademia di Belle Arti di Urbino, all’Accademia di Belle Arti di Palermo, ed é attualmente docente di Pittura all’Accademia di Frosinone e Advisor in Visual Art per l’American Academy in Rome. Nel 2015 è scelto da AMACI (associazione musei d’arte contemporanea italiani) come artista guida dell’undicesima giornata del contemporaneo.
Alfredo Pirri è nato a Cosenza nel 1957. Vive e lavora a Roma, dove è uno dei più noti artisti attivi. Sempre a Roma ha frequentato l’Accademia di Belle Arti, prendendo il diploma in pittura.
Il suo lavoro al confine tra pittura e scultura, architettura e installazione s’impone all’attenzione del pubblico internazionale fin dalla metà degli anni ottanta.
La materia, il volume, il colore e lo spazio sono i principali strumenti della sua poetica. L’originalità del suo lavoro risiede nell’utilizzo della pittura come veicolo di luce e della luce come elemento architettonico e spaziale. Lo spazio diventa paesaggio abitato da sculture plastiche in cui la superficie pittorica crea presenze di luce e ombre. L’arte di Alfredo Pirri crea un confronto armonico con l’architettura e tende costantemente alla creazione di un luogo archetipale, spazio abitabile e allo stesso tempo luogo di una funzione pubblica. Alfredo Pirri ha esposto i suoi lavori in numerosi musei e biennali, nazionali e internazionali, tra cui ricordiamo: Eduardo Secci Milano (2021); Castello Maniace, Siracusa (2021); MACRO Testaccio, Roma (2017); Fondazione Nomas, Roma; (2016), Museo Novecento, Firenze (2015); London Design Festival (2015); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma con l’installazione semi-permanente “Passi” (2012-2016); Palazzo Te, Mantova (2013) e Project Biennial D-0 ARK Underground Konjic, Bosnia Herzegovina (2013), dove “Passi” è in esposizione permanente; Museo Archeologico Nazionale Reggio Calabria, con l’opera “Piazza”, che integra lo spazio museale in modo permanente (2011); Centro Arti Visive Pescheria, Pesaro (2007); Maison Européenne de la Photographie, Parigi (2006); Biennale dell’Avana (2001); Accademia di Francia a Roma -Villa Medici (2000); MoMa PS1, New York (1999); Walter Gropius Bau, Berlino (1992); Biennale d’Arte di Venezia (1988). Ha collaborato con gli architetti Nicola di Battista (attuale direttore della rivista Domus), Paolo Desideri (ABDR) e Efisio Pitzalis (Studio PROAP) Lisbona. I frutti di queste proficue collaborazioni sono stati esposti in una mostra-studio tenutasi alla British School of Rome nel maggio 2015. Ha insegnato alla Bezalel Academy of Arts and Design di Gerusalemme, all’Università La Sapienza di Roma, all’Accademia di Belle Arti di Urbino, all’Accademia di Belle Arti di Palermo, ed é attualmente docente di Pittura all’Accademia di Frosinone e Advisor in Visual Art per l’American Academy in Rome. Nel 2015 è scelto da AMACI (associazione musei d’arte contemporanea italiani) come artista guida dell’undicesima giornata del contemporaneo.
Levi van Veluw, nato nel 1985 a Hoevelaken (Paesi Bassi), vive e lavora ad Amsterdam. Dopo gli studi all’ArtEZ University of the Arts ad Arnhem (2007) concepisce lavori multidisciplinari, che includono installazioni scenografiche, fotografie, video, sculture e disegni. Van Veluw basa la sua pratica sull’idea di una realtà alternativa, creando un laboratorio visivo in cui sono presenti sia l’ordine che il caos. L’artista indaga la relatività della materia e attinge a teorie scientifiche e fisiche per affrontare dilemmi esistenziali. Le sue installazioni misteriose e sensoriali incoraggiano l’osservatore a riflettere sullo sviluppo di una nuova conoscenza, derivante dal desiderio di un universo regolato, pur riconoscendo l’impossibilità razionale del controllo totale.
Tra le sue mostre personali più recenti ricordiamo: Videocittà, Roma (2021); Eduardo Secci, Firenze (2020); Rijksmuseum Twenthe, Enschede, Paesi Bassi (2020); Praz-Delavallade, Parigi (2020); Het HEM, Zaandam, Paesi Bassi (2020); Tenuta Dello Scompiglio, Lucca (2019); Domaine de Kerguéhennec, Bignan, Francia (2018); La Galerie Particulière, Parigi (2017); Galerie Ron Mandos, Amsterdam (2019); Rosenfeld Porcini Gallery, Londra (2016). Tra le numerose mostre collettive: Museum Kranenburgh, Bergen, Paesi Bassi (2017); labellisée Normandie Impressonniste 2016, Jumièges, Francia; Museum de Fundatie, Zwolle, Paesi Bassi (2016); Maddox Arts, Londra (2015).
Van Veluw ha inoltre preso parte a importanti fiere internazionali come Zona Maco (2018); The Armory Show, New York (2017); Art Brussels (2016); Chicago Art Fair (2016); Volta Basel (2012) e the Barcelona Loop Fair Barcelona (2014).
Le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, come BoLe sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, come Borusan Contemporary Collection, Caldic Collection, Ekard Collection e KPMG Art Collection.
Levi van Veluw, nato nel 1985 a Hoevelaken (Paesi Bassi), vive e lavora ad Amsterdam. Dopo gli studi all’ArtEZ University of the Arts ad Arnhem (2007) concepisce lavori multidisciplinari, che includono installazioni scenografiche, fotografie, video, sculture e disegni. Van Veluw basa la sua pratica sull’idea di una realtà alternativa, creando un laboratorio visivo in cui sono presenti sia l’ordine che il caos. L’artista indaga la relatività della materia e attinge a teorie scientifiche e fisiche per affrontare dilemmi esistenziali. Le sue installazioni misteriose e sensoriali incoraggiano l’osservatore a riflettere sullo sviluppo di una nuova conoscenza, derivante dal desiderio di un universo regolato, pur riconoscendo l’impossibilità razionale del controllo totale.
Tra le sue mostre personali più recenti ricordiamo: Videocittà, Roma (2021); Eduardo Secci, Firenze (2020); Rijksmuseum Twenthe, Enschede, Paesi Bassi (2020); Praz-Delavallade, Parigi (2020); Het HEM, Zaandam, Paesi Bassi (2020); Tenuta Dello Scompiglio, Lucca (2019); Domaine de Kerguéhennec, Bignan, Francia (2018); La Galerie Particulière, Parigi (2017); Galerie Ron Mandos, Amsterdam (2019); Rosenfeld Porcini Gallery, Londra (2016). Tra le numerose mostre collettive: Museum Kranenburgh, Bergen, Paesi Bassi (2017); labellisée Normandie Impressonniste 2016, Jumièges, Francia; Museum de Fundatie, Zwolle, Paesi Bassi (2016); Maddox Arts, Londra (2015).
Van Veluw ha inoltre preso parte a importanti fiere internazionali come Zona Maco (2018); The Armory Show, New York (2017); Art Brussels (2016); Chicago Art Fair (2016); Volta Basel (2012) e the Barcelona Loop Fair Barcelona (2014).
Le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, come BoLe sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, come Borusan Contemporary Collection, Caldic Collection, Ekard Collection e KPMG Art Collection.
- Levi van Veluw
