Untitled Art

Radu Oreian nasce nel 1984 a Târnăveni in Romania. Attualmente lavora e vive in Francia. Nel 2002 ha ottenuto una laurea all’Università di Arte e Design di Cluj-Napoca per poi continuare i suoi studi alla National University of Art di Bucharest dove si è diplomato nel 2007. La pratica di Radu Oreian trae fondamento dalle tecniche classiche del disegno e della pittura, esplorando come la storia, i miti antichi e gli archivi plasmano la nostra società e la nostra comprensione dell’umanità. Il filo rosso che attraversa ed unisce i lavori di Radu Oreian si manifesta nella creazione di una nuova impronta visiva meditativa dotata di una densità particolare che sembra esistere in uno stato pulsante di tensione e rilassamento.

Radu Oreian è stato protagonista di numerose mostre personali: SVIT Gallery, Befriending the memory muscle (Praga, 2020, con Ciprian Mureşan), Gallery Nosco, Microsripts and Melted Matters (Londra, 2019), Gallery ISA, Farewell To The Thinker of Thoughts (Mumbai, 2018). Tra i suoi progetti istituzionali: La Fondazione, Project Room (Roma, 2020, personale), The Last Agora, Plan B Foundation (Cluj-Napoca, 2019) e Chasseur d’Images, Musée de la Chasse et de la Nature (Parigi, 2019). Tra le sue mostre collettive: One in a million, Gallery Nosco (Marsiglia, 2018) e On The Sex of Angels, Nicodim Gallery (Bucarest, 2017).

Theo Triantafyllidis (classe1 988, Atene, Grecia) è un artista noto per la progettazione di spazi virtuali e le interfacce tramite cui il corpo umano può accedervi. Crea mondi estesi e sistemi complessi in cui il virtuale e il fisico si combinano in modi inspiegabili, assurdi e poetici. Questi si manifestano spesso come performance, oppure come esperienze virtuali o in realtà aumentata, o ancora giochi e installazioni interattive. Sfrutta interazioni impacciate e stati fisici precari per invitare il pubblico a impersonare, interagire con e sfidare queste realtà alternative.

Attraverso la lente della monster theory, analizza temi di isolamento, sessualità e violenza, nelle loro estremità più viscerali. Propone umorismo computazionale e improvvisazione tramite IA come risposta all’agenda dell’industria tecnologica. Tenta di rendere qualcosa alle comunità dell’online e del gaming, che considera sia l’ispirazione sia il contesto per il suo lavoro, mantenendo un ruolo attivo sia come partecipante che come contributore. Ha ottenuto un MFA presso UCLA, Design Media Arts e un Diploma di Architettura presso la National Technical University di Atene. Le sue opere sono state esibite in musei, tra cui l’Hammer Museum di Los Angeles e l’NRW Forum di Düsseldorf, in Germania, e anche in numerose gallerie, come la Meredith Rosen Gallery, la Breeder, Sargent’s Daughters e la Young Projects. Ha fatto parte dell’Hyper Pavillion alla Biennale di Venezia (2017) e anche alla Biennale di Atene (2018): ANTI-. Theo Triantafyllidis vive e lavora a Los Angeles.

Andrea Galvani (nato in Italia nel 1973) vive e lavora da molti anni tra New York e Città del Messico. La sua ricerca concettuale si avvale di fotografia, disegno, scultura, performance, neon, materiali d’archivo e grandi audio e video installazioni che vengo sviluppate intorno all’ architettura degli spazi espositivi. I suoi progetti sembrano aumentare la nostra consapevolezza, attingendo a concetti e strumenti provenienti da diverse discipline e assumendo spesso linguaggi e metodologie di carattere scientifico.

Il lavoro di Galvani è stato esposto a livello internazionale in importanti musei e spazi istituzionali tra cui ricordiamo: il Whitney Museum di New York, la 4th Moscow Biennale of Contemporary Art di Mosca, Mediations Biennale di Poznan, in Polonia, Aperture Foundation, New York; The Calder Foundation, New York; Pavilion – Center for Contemporary Art and Culture, Bucharest; il Mart Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto; Museo Macro, Roma; GAMeC, Bergamo; De Brakke Grond, Amsterdam; Den Frie Centre of Contemporary Art, Copenaghen; Sculpture Center, New York; e molti altri. Le sue opere fanno parte delle principali collezioni pubbliche e private in Europa, nelle Americhe, in Asia e in Africa, tra cui: la Collezione permanente presso il Dallas Museum of Art, Texas; Deutsche Bank Collection, Londra; Artist Pension Trust, New York; la Contemporary Art Society, Aspen Collection, New York; la UniCredit Art Collection, Milano; the Permanent Collection of the United States Library of Congress, Prints and Photographs Division, Washington, DC; il Mart Museum of Modern and Contemporary Art di Trento e Rovereto; la 500 Capp Street Foundation, San Francisco; MAXXI Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo, Roma; The Armory Show, New York e MACRO Testaccio, Roma. Tra i moltissimi grant e residency internazionali ricordiamo la sua partecipazione a Location One International Artist Residency Program a New York (2008), LMCC Lower Manhattan Cultural Council (2009), e il MIA Artist Space / Columbia University Department of Fine Arts (2010). Nel 2011 ha ricevuto il New York Exposure Prize ed è stato nominato per il prestigioso Deutsche Börse Photography Prize. Nel 2016, il Museo del Mart di Trento e Rovereto ha presentato la prima retrospettiva midcareer di Galvani in Europa. Nel 2017, il suo lavoro è stato selezionato per rappresentare la Deutsche Bank Collection a Frieze New York. Nel 2019 ha ricevuto il prestigioso Audemars Piguet Prize.

Levi van Veluw, nato nel 1985 a Hoevelaken (Paesi Bassi), vive e lavora ad Amsterdam. Dopo gli studi all’ArtEZ University of the Arts ad Arnhem (2007) concepisce lavori multidisciplinari, che includono installazioni scenografiche, fotografie, video, sculture e disegni. Van Veluw basa la sua pratica sull’idea di una realtà alternativa, creando un laboratorio visivo in cui sono presenti sia l’ordine che il caos. L’artista indaga la relatività della materia e attinge a teorie scientifiche e fisiche per affrontare dilemmi esistenziali. Le sue installazioni misteriose e sensoriali incoraggiano l’osservatore a riflettere sullo sviluppo di una nuova conoscenza, derivante dal desiderio di un universo regolato, pur riconoscendo l’impossibilità razionale del controllo totale.

Tra le sue mostre personali più recenti ricordiamo: Videocittà, Roma (2021); Eduardo Secci, Firenze (2020); Rijksmuseum Twenthe, Enschede, Paesi Bassi (2020); Praz-Delavallade, Parigi (2020); Het HEM, Zaandam, Paesi Bassi (2020); Tenuta Dello Scompiglio, Lucca (2019); Domaine de Kerguéhennec, Bignan, Francia (2018); La Galerie Particulière, Parigi (2017); Galerie Ron Mandos, Amsterdam (2019); Rosenfeld Porcini Gallery, Londra (2016). Tra le numerose mostre collettive: Museum Kranenburgh, Bergen, Paesi Bassi (2017); labellisée Normandie Impressonniste 2016, Jumièges, Francia; Museum de Fundatie, Zwolle, Paesi Bassi (2016); Maddox Arts, Londra (2015).

Van Veluw ha inoltre preso parte a importanti fiere internazionali come Zona Maco (2018); The Armory Show, New York (2017); Art Brussels (2016); Chicago Art Fair (2016); Volta Basel (2012) e the Barcelona Loop Fair Barcelona (2014).

Le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, come BoLe sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private, come Borusan Contemporary Collection, Caldic Collection, Ekard Collection e KPMG Art Collection.

Stanley Casselman è un artista di New York le cui superfici sontuosamente calcolate sono motivate da un senso di stupore e meraviglia negli intangibili elementi spirituali del nostro essere. Le forze conosciute e speculative che creano il reticolo della nostra realtà fisica sono spesso una corrente sotterranea all’interno dei suoi dipinti. Casselman è profondamente legato all’’idea che il colore, la linea e la forma abbiano la capacità di cambiare la dimensione conoscitiva. Barocco ma allo stesso tempo diretto, il suo processo si rivela in uno spettro di strati esplorando una gamma di emozioni in un’efficace ricerca di una coscienza superiore.

Casselman (nato a Phoenix, AZ) ha conseguito il Bachelor of Arts presso il Pitzer College, Claremont, CA. Le sue opere sono state esposte in gallerie e musei di tutto il mondo, tra cui il Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY; il Jim Kempner Fine Art, New York, NY; la Gazelli Art House, Baku, Azerbaigian e Londra, Regno Unito; la James White Gallery, Beverly Hills, CA; la Gallerie Brintz, Palm Beach, FL. Le sue opere fanno parte delle collezioni del New Orleans Museum of Art, LA; della Fondazione d’arte Frederick R. Weisman, Los Angeles, CA; del Flint Institute of Arts, Flint, MI; e del Borusan Contemporary, Istanbul.

Richard Dupont è nato a New York nel 1968, dove vive e lavora.

La poliedrica pratica artistica di Dupont comprende installazioni, sculture, disegni, rilievi, animazioni e stampe. Il lavoro di Dupont trae ispirazione da una varietà di temi e riferimenti e utilizza il Postdigital in relazione alla storia della scultura e ai movimenti quali Body art, Process art e Systems art degli anni ’60 e ’70. Il suo lavoro, infatti, trae ispirazione da una varietà di temi e riferimenti, ed è stato descritto come “post-digitale” e “post-internet”. Tuttavia, egli utilizza modelli digitali 3D di corpi e oggetti piuttosto che le cose stesse. Dupont ha fatto scansionare il suo corpo in una struttura della General Dynamics nella Base Aerea di The Wright Patterson nel 2004, e da allora ha lavorato a queste immagini, tradotte in due e tre dimensioni. Un interesse per le implicazioni delle tecnologie biometriche è alla base di gran parte del suo lavoro.

Interessato al modo in cui esaminiamo noi stessi, Dupont vede le sue riproduzioni della figura umana come un modo per evidenziare l’idea di “auto-sorveglianza” e per notare il modo in cui mappiamo le nostre vite accumulando dettagli.

Le sue mostre personali più recenti includono: Richard Dupont Show, ARC Fine Art LLC, New York (2021), Biometries, Heads and Islands, ARC Fine Art LLC, New York (2021), Solo project, Untitled Miami (2019),

Fictions #1, Eduardo Secci Contemporary, Firenze (2018); Tracy Williams, Ltd., New York (2015); Object Ritual (Offsite), Queens Museum at Bulova Corporate Center, New York (2014); Eduardo Secci Contemporary, Firenze (2014); Tracy Williams, Ltd., New York (2013); Carolina Nitsch Project Room, MC Gallery, Seoul (2011); Progetto indipendente per The Armory Show, New York (2009); Lever House, New York (2008); Hudson Valley Center for Contemporary Art (HVCCA), Peekskill (2008); Tracy Williams, Ltd., New York (2007); Art Positions, Solo Project, Art Basel Miami, Miami (2005).

Ha esposto le sue opere in recenti mostre collettive in numerose Gallerie ed Istituzioni come: Galleria Planthouse, New York (2017,2018); Centro d’Arte Southampton, New York (2017); Museum of Contemporary Art San Diego (2016); Planthouse Gallery, New York (2016); New York Academy of Art, New York (2015); Museum of Arts and Design, New York (2013); Galleria d’Arte Memorial, Rochester2013); The Richard Massey Foundation for the Arts and Sciences, New York (2013); Carolina Nitsch Project Room, New York (2012): The Flag Art Foundation, New York (2010); Charest Weinberg Gallery, Miami (2010); International Print Center, New York (2009); New Prints Autumn 2007, International Print Center, New York (2008); Six Degrees of Separation, Stux Gallery, New York (2006); Center Gallery at FAU, Boca Raton (2004); Space 101, Brooklyn, New York (2003).