Zona Maco 2025

Jordy Kerwick (nato nel 1982 a Melbourne, Australia) è un artista autodidatta che ha iniziato a dipingere nel 2016. In breve tempo, ha guadagnato riconoscimento internazionale grazie al suo stile audace e crudo, caratterizzato da composizioni vivaci, espressionistiche e stilizzate.

Le sue opere sono popolate da oggetti domestici, animali predatori e creature mitiche: tappeti tassidermici decorati con forme geometriche, cobra reali a due teste, tigri feroci e unicorni piumati. Questi elementi creano un folklore contemporaneo, giocoso e misterioso.

Famoso per i suoi colorati e eclettici dipinti di nature morte, l’ultimo lavoro di Kerwick esplora elementi fantastici e visioni storiche, dando vita a paesaggi nuovi e sconosciuti. Utilizza vari materiali, come olio, acrilico e vernice spray su tela, oltre a olio stick e collage su carta. Il suo approccio, “più errori ci sono, meglio è”, celebra le connessioni inaspettate che emergono da combinazioni di colori, texture e forme.

Il sorprendente linguaggio visivo di Kerwick nasce principalmente dal suo stile di vita domestico. I riferimenti storici all’arte si intrecciano con l’iconografia antica, mescolando simboli dell’arte egizia con elementi della cultura pop, come i colori audaci dei supereroi e dei cattivi dei fumetti.

Oltre ai mondi straordinari e ai personaggi fantastici che popolano le sue tele, Kerwick presta particolare attenzione alla gestualità e all’astrattismo, creando composizioni riccamente tattili e vibranti. Il suo lessico di forme e colori, fresco e autentico, è influenzato dai grandi maestri dell’Espressionismo astratto, del Minimalismo e della pittura hard-edge, tra cui Robert Motherwell, Helen Frankenthaler, Adolph Gottlieb, Agnes Martin e il genio moderno Henri Matisse.

Tra le sue mostre personali più recenti figurano: Allouche Benais Gallery, Atene, Grecia (2021); Galerie Julie Cadet, Parigi, Francia (2021); Union Gallery, Londra, Inghilterra (2021); Pt. 2 Gallery, Oakland, California (2021, 2019); Piermarq*, Sydney, Australia (2020, 2018); Anna Zorina Gallery, New York (2019); una doppia mostra alla Masahiro Maki Gallery, Tokyo, Giappone e Parigi, Francia (2019); TW Fine Art, Brisbane, Australia (2019) e Delphian Gallery, Londra, Regno Unito (2018).

Kerwick vive e lavora ad Albi, in Francia.

Kevin Francis Gray, nato nel 1972 in Irlanda del Nord, vive e lavora tra Londra e l’Italia.

Kevin Francis Gray ha generato un corpo di lavoro che affronta la complessa relazione tra astrazione e figurazione. La sua ricerca artistica si basa sull’intersezione tra tecniche di scultura tradizionale e vita contemporanea. Anziché lavorare verso ideali di bellezza o di memoria, Gray si focalizza sugli effetti psicologici dei suoi soggetti, spesso sfruttando superfici materiche per esprimere stati mentali, posture facciali o corporee. Dopo dieci anni dedicati alla lavorazione del marmo, i nuovi lavori di Gray cercano di spingere la pratica scultorea dell’artista verso nuovi territori di espressione fisica e psicologica.

Si è laureato presso il National College of Art & Design di Dublino (1995) e presso la School of Art Institute di Chicago (1996), per poi proseguire con un Master in Belle Arti presso il Goldsmiths College di Londra. Lavora a stretto contatto con lo studio di marmo Giannoni, a Pietrasanta, noto per l’impiego di tecniche scultorie risalenti a Canova e Michelangelo. Le sue opere hanno fatto parte di mostre presso la Royal Academy, Londra, UK; il Sudeley Castle, Winchcombe, Gloucestershire, UK; il Museum of Contemporary Art della Val de- Marne, Parigi, Francia; il Nieuw Dakota, Amsterdam; il Palazzo Arti Napoli, Napoli, Italia; il Musee d’Art Moderne, Saint-Etienne, Francia; l’ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spagna; il Tel-Aviv Museum of Art, Tel Aviv, Israele; e l’Art Space, New York, USA.

Chris Soal (n. 1994) è un artista sudafricano la cui pratica scultorea, acclamata dalla critica — influenzata dalla sua crescita a Johannesburg e ora con base a Città del Capo — ha ottenuto un riconoscimento internazionale per il suo approccio innovativo alla materialità, alla percezione e al concetto di luogo.

La pratica di Soal, condotta principalmente in studio, si esprime attraverso la scultura, lavorando con oggetti e materiali in modi che rivelano non solo un impegno concettuale con i contesti e le storie degli oggetti, ma che rafforzano anche l’idea del corpo come luogo di ricezione e produzione della conoscenza. Le sue opere mirano a fare un’affermazione poetica attraverso mezzi semplicissimi, coinvolgendo la consapevolezza spaziale e le abitudini percettive dello spettatore, mentre mettono in discussione preconcetti fondamentali della società riguardo al valore e alla gerarchia.

Attraverso l’uso di oggetti scartati e materiali effimeri comuni, come stuzzicadenti e tappi di bottiglia, insieme a cemento, tondini di ferro, cavi per recinzioni elettriche, carta vetrata e altri materiali industriali, l’artista sviluppa in modo intuitivo l’ordinario fino a renderlo inquietante. Le opere di Soal possono essere considerate un’astrazione sociale, profondamente radicata e riflessiva della sua esperienza di vita a Johannesburg, in Sudafrica.

Lavorando in simbiosi con i suoi materiali, Soal utilizza le caratteristiche fisiche intrinseche degli oggetti per trasformarli attraverso processi di aggregazione, combinazione ed erosione — con l’intento di porre in primo piano questioni ecologiche urgenti, ridefinendo lo spettatore come agente attivo nell’ambiente contemporaneo. Nonostante l’artificialità dei materiali utilizzati, il suo processo consente loro di assumere qualità biomorfiche o di evocare fenomeni naturali, esprimendo il suo interesse per gli aspetti fenomenologici della materia.

Erik Schmidt è un pittore e artista poliedrico tedesco con sede a Berlino.
Nato a Herford nel 1968, all’età di 21 anni si trasferisce ad Amburgo, dove inizia a esplorare l’illustrazione, la pittura e la vita notturna, combinandole in una produzione creativa sovversiva.
È quando si trasferisce a Berlino per assistere l’artista visivo Piotr Nathan – dopo essersi laureato alla Hochschule für Angewandte Wissenschaften Hamburg – che sviluppa un linguaggio artistico più complesso. Nel giro di pochi anni Erik inizia a farsi conoscere in tutto il mondo ed è rappresentato da gallerie come l’attuale Carlier Gebauer e Krinzinger.
Di questo periodo (2001-2004) sono alcune delle opere esposte nella mostra curata da Pier Paolo Pancotto alla galleria Secci di Firenze, come le vedute urbane di Berlino che in qualche modo riecheggiano il puntinismo e il video “Parking” girato da Stephanie Kloss.
Questi ultimi pongono le basi per comprendere come il suo lavoro sia mutato nel corso di due decenni. Infatti, la parte principale della mostra presenta una selezione della sua serie pittorica più recente, in cui le tele sono stampate con fotografie di luoghi visitati e di persone incontrate, poi dipinte con spesse pennellate di impasto: Palm Bombs (2022 – 2023), basato su vedute dal basso verso l’alto di palme dello Sri Lanka, e scene urbane di New York (2023), che includono ritratti voyeuristici di persone che passano per strada e un paesaggio urbano.
La mostra incarna perfettamente come lo stile di Erik Schmidt si sia evoluto a un nuovo livello ed è visitabile dal 16 settembre al 4 novembre alla galleria Secci

Francisco Domingos da Silva, conosciuto come Chico da Silva, è nato ad Alto Tejo, nello stato brasiliano di Acre, figlio di un indiano peruviano e di una donna dello stato del Ceará. L’anno della sua nascita, basato su ricerche di diverse fonti, è inconcludente, ma si stima che l’artista sia nato nel 1910 (Fondazione Biennale di São Paulo) o nel 1922 (Catalogo della sua prima mostra personale a Fortaleza, 1961; Estrigas, 1988). Chico da Silva, fin da giovane, ha viaggiato in tutto il nord e il nord-est del Brasile prima di stabilirsi a Fortaleza, Ceará.

All’inizio degli anni ’40, iniziò a disegnare con carboncino e gesso sulle pareti delle case a Praia Formosa. Nel 1943, Chico incontrò il pittore svizzero Jean-Pierre Chabloz (1910-1984), che lo introdusse nel circuito artistico locale. Nello stesso anno, partecipò alla mostra collettiva Salão de Abril, seguita dal 3° Salão Cearense de Belas Artes, nel 1944. Barboza Leite, riferendosi alla produzione iniziale di Chico nel suo libro “Esquema da Pintura no Ceará” (1949), la descrisse come segue: “[…] le forme imprecise e nebulose, ma dosate con un’intensità poetica su tutta la superficie, dei dipinti di F. Silva”.

Nel 1945, Chabloz espose i dipinti di Chico da Silva insieme ad Antonio Bandeira (1922-1967) e Inimá de Paula (1918-1999) alla Galeria Askanasy di Rio de Janeiro. Nei tre anni successivi, l’artista svizzero effettuò viaggi occasionali in Europa, tornando permanentemente nel continente nel 1948. Chabloz si dedicò a promuovere il lavoro di Chico, organizzando la sua prima mostra personale alla Galerie Pour L’Art, a Losanna, nel 1952. Nel dicembre dello stesso anno, pubblicò l’articolo “Un Indien brésilien ré-invente la Peinture” nella prestigiosa rivista d’arte Cahiers D’Art, gestita da Christian Zervos.

La partenza del suo amico e mentore ebbe un grande impatto sulla produzione di Chico da Silva, e durante il soggiorno di Chabloz in Europa, egli tenne un numero limitato di mostre in Brasile. Continuando la sua rappresentanza all’estero, partecipò nel 1956 alla mostra Arts primitifs et modernes brésiliens al Musée d’ethnographie de Neuchâtel, in Svizzera. L’inizio degli anni ’60 segnò il ritorno di Chabloz in Brasile per un breve periodo: lo svizzero tornò in Europa nel luglio 1960, dove rimase per due anni, facilitando così la reintegrazione di Chico nel gruppo di artisti di Fortaleza.

Il 10 aprile 1961, Chico da Silva inaugurò la sua prima mostra personale in Brasile, che si tenne presso la Sede dei Diários Associados, a Fortaleza, dove presentò dieci opere. Secondo il testo del catalogo presentato dall’allora Governatore Parsifal Barroso, le sue “misteriose storie delle giungle, dove animali e accidenti della natura interferiscono come se fossero creature umane […] rappresentano la migliore fase del pittore, soprattutto per la colorazione, l’immaginazione e il movimento dei temi”.

Nel 1959, Chico da Silva fu assunto dall’UFC – Università Federale del Ceará per sviluppare le attività del MAUC – Museo d’Arte dell’Università Federale del Ceará. La sua partecipazione all’Università durò fino al 1963, quando espose alla Galeria Relevo, a Rio de Janeiro, tramite l’intermediazione di Jean Boghici (1928-2015). Nello stesso anno, si avvicinò a Henrique Bluhm, che iniziò il processo di commercializzazione del suo lavoro. Fu durante questo periodo che Chico da Silva stabilì la sua immagine come il Mestre da Escola do Pirambu, collaborando strettamente con giovani artisti interessati ad apprendere l’arte della pittura. Nel 1965, partecipò alla mostra 8 peintres naïfs brésiliens alla Galerie Jacques Massol di Parigi.

Chico da Silva, il cui contributo all’arte brasiliana è innegabile, ha avuto una carriera segnata da eventi significativi e sfide personali. La sua partecipazione alla 33ª Biennale di Venezia nel 1966, dove ricevette una Menzione d’Onore, rappresenta uno dei momenti culminanti della sua carriera. L’apprezzamento per la sua tecnica meticolosa e la fusione di elementi fisici e soggettivi nella pittura hanno messo in luce il suo talento unico. La lettera di Clarival do Prado Valadares, in cui si evidenzia l’importanza delle opere non esposte, sottolinea quanto fosse innovativa la sua arte e quanto potesse rappresentare la cultura indigena brasiliana a livello internazionale.

Tuttavia, gli anni ’60 e ’70 furono anche caratterizzati da difficoltà personali, tra cui la rivendicazione di autori alternativi delle sue opere, che influenzarono negativamente la sua salute mentale e fisica. Nonostante questi ostacoli, Chico continuò a esporre e a condividere la sua visione artistica fino agli ultimi anni della sua vita. La sua morte nel 1985 a Fortaleza ha lasciato un vuoto significativo nel panorama artistico brasiliano, ma il suo legato come “genio primitivista” continua a influenzare e ispirare artisti e appassionati d’arte.

Chico da Silva è ricordato per la sua capacità di integrare le cosmologie popolari del nord e del nord-est del Brasile nelle sue opere, evidenziando la ricchezza della fauna e della flora brasiliana non solo come elementi decorativi, ma come espressioni formali dell’organicità e della complessità dell’Amazzonia.