- Chico da Silva,
- Jordy Kerwick
For a Bestial Poetics
Le pareti della Galleria SECCI a Milano sono ricoperte di immagini di animali feroci, mostri e draghi dai corpi multicolori. Queste opere sono degli artisti Chico da Silva (Alto Tejo, Acre, Brasile, 1922 – Fortaleza, Ceará, Brasile, 1985) e Jordy Kerwick (1982, Australia). I due artisti svolto la loro attività artistica in tempi e contesti diversi, ma che ora sono riuniti in un dialogo potente.
Questa è la seconda presentazione del lavoro di Da Silva in Italia (la prima fu alla Biennale di Venezia del 1966, un’edizione che incluse altri artisti brasiliani considerati “naïf”) e la seconda presentazione del lavoro di Kerwick a Milano.
L’esposizione collega Chico da Silva a una poetica contemporanea — rappresentando un nuovo passo nel riconoscimento internazionale di Da Silva, un artista il cui lavoro è stato dimenticato dal mondo dell’arte per decenni — mentre associa Jordy Kerwick a una tradizione di immagini bestiali. Insieme, i dipinti sostengono una libertà immaginativa, permeata da una chimera di esseri che emergono dalle menti irrequiete e creative di entrambi gli artisti.
Nell’arte brasiliana, il percorso di Chico da Silva è unico: nato nella foresta amazzonica nel 1922 da madre cearense e padre indigeno peruviano, si trasferì da bambino a Fortaleza, capitale dello stato di Ceará, dove sviluppò la sua opera. Disegnando spontaneamente uccelli e draghi alati sui muri delle case della regione costiera della città, attirò l’attenzione del critico d’arte svizzero Jean Pierre Chabloz, che lo introdusse a formati portatili e portò il suo lavoro in Europa. La sua opera influenzò non solo altri artisti, ma anche la comunità intorno a lui.
Chico divenne una sorta di maestro, con discepoli che creavano a modo loro, un fenomeno oggi noto come la Scuola di Pirambu (Pirambu è il nome del quartiere di Fortaleza dove Chico visse per la maggior parte della sua vita).
Kerwick, a sua volta, crea dipinti che assimilano riferimenti canonici della storia dell’arte, come Henri Matisse e Henri Rousseau, in scene avvolte in un’estetica pop, dove le figure convivono sia nella natura che in ambienti domestici o urbani. Le sue scene suggeriscono una sorta di teatro delirante. Diversamente da Chico, che spesso fonde figura e sfondo con una costruzione puntinista, le figure di Kerwick appaiono in primo piano con motivi che ricoprono i loro corpi, in contrasto con le composizioni sullo sfondo. In queste creature, è difficile distinguere tra pelle e costume o caratterizzazione. Questo confine diventa ancora più sfumato negli oggetti tridimensionali che Kerwick introduce nello spazio: sebbene siano sculture, funzionano anche come maschere.
Chico talvolta diceva che le sue composizioni traevano origine dai suoi ricordi d’infanzia della natura tropicale e rigogliosa dell’Amazzonia; allo stesso modo, Kerwick attinge all’immaginario della propria infanzia come riferimento chiave per costruire la sua poetica. Il mondo ludico dei suoi due figli ispira frequentemente l’artista e informa uno dei motivi per cui è più noto: i personaggi a due teste.
In entrambi gli artisti, la natura è bestiale, con occhi enormi e denti aguzzi, pronta ad attaccare. Chico e Kerwick ci ricordano che la natura non è addomesticata; è una lotta eterna tra il forte e il debole, tra ciò che sopravvive e ciò che viene divorato. Eppure, può essere una fonte di bellezza e ispirazione, un invito a perdersi e ritrovarsi.
Thierry Freitas,
storico dell’arte e curatore della Pinacoteca di San Paolo. Nel 2023 ha organizzato la più completa retrospettiva dell’opera di Chico da Silva, presentata a San Paolo e in Ceará.
Le pareti della Galleria SECCI a Milano sono ricoperte di immagini di animali feroci, mostri e draghi dai corpi multicolori. Queste opere sono degli artisti Chico da Silva (Alto Tejo, Acre, Brasile, 1922 – Fortaleza, Ceará, Brasile, 1985) e Jordy Kerwick (1982, Australia). I due artisti svolto la loro attività artistica in tempi e contesti diversi, ma che ora sono riuniti in un dialogo potente.
Questa è la seconda presentazione del lavoro di Da Silva in Italia (la prima fu alla Biennale di Venezia del 1966, un’edizione che incluse altri artisti brasiliani considerati “naïf”) e la seconda presentazione del lavoro di Kerwick a Milano.
L’esposizione collega Chico da Silva a una poetica contemporanea — rappresentando un nuovo passo nel riconoscimento internazionale di Da Silva, un artista il cui lavoro è stato dimenticato dal mondo dell’arte per decenni — mentre associa Jordy Kerwick a una tradizione di immagini bestiali. Insieme, i dipinti sostengono una libertà immaginativa, permeata da una chimera di esseri che emergono dalle menti irrequiete e creative di entrambi gli artisti.
Nell’arte brasiliana, il percorso di Chico da Silva è unico: nato nella foresta amazzonica nel 1922 da madre cearense e padre indigeno peruviano, si trasferì da bambino a Fortaleza, capitale dello stato di Ceará, dove sviluppò la sua opera. Disegnando spontaneamente uccelli e draghi alati sui muri delle case della regione costiera della città, attirò l’attenzione del critico d’arte svizzero Jean Pierre Chabloz, che lo introdusse a formati portatili e portò il suo lavoro in Europa. La sua opera influenzò non solo altri artisti, ma anche la comunità intorno a lui.
Chico divenne una sorta di maestro, con discepoli che creavano a modo loro, un fenomeno oggi noto come la Scuola di Pirambu (Pirambu è il nome del quartiere di Fortaleza dove Chico visse per la maggior parte della sua vita).
Kerwick, a sua volta, crea dipinti che assimilano riferimenti canonici della storia dell’arte, come Henri Matisse e Henri Rousseau, in scene avvolte in un’estetica pop, dove le figure convivono sia nella natura che in ambienti domestici o urbani. Le sue scene suggeriscono una sorta di teatro delirante. Diversamente da Chico, che spesso fonde figura e sfondo con una costruzione puntinista, le figure di Kerwick appaiono in primo piano con motivi che ricoprono i loro corpi, in contrasto con le composizioni sullo sfondo. In queste creature, è difficile distinguere tra pelle e costume o caratterizzazione. Questo confine diventa ancora più sfumato negli oggetti tridimensionali che Kerwick introduce nello spazio: sebbene siano sculture, funzionano anche come maschere.
Chico talvolta diceva che le sue composizioni traevano origine dai suoi ricordi d’infanzia della natura tropicale e rigogliosa dell’Amazzonia; allo stesso modo, Kerwick attinge all’immaginario della propria infanzia come riferimento chiave per costruire la sua poetica. Il mondo ludico dei suoi due figli ispira frequentemente l’artista e informa uno dei motivi per cui è più noto: i personaggi a due teste.
In entrambi gli artisti, la natura è bestiale, con occhi enormi e denti aguzzi, pronta ad attaccare. Chico e Kerwick ci ricordano che la natura non è addomesticata; è una lotta eterna tra il forte e il debole, tra ciò che sopravvive e ciò che viene divorato. Eppure, può essere una fonte di bellezza e ispirazione, un invito a perdersi e ritrovarsi.
Thierry Freitas,
storico dell’arte e curatore della Pinacoteca di San Paolo. Nel 2023 ha organizzato la più completa retrospettiva dell’opera di Chico da Silva, presentata a San Paolo e in Ceará.
Francisco Domingos da Silva, conosciuto come Chico da Silva, è nato ad Alto Tejo, nello stato brasiliano di Acre, figlio di un indiano peruviano e di una donna dello stato del Ceará. L’anno della sua nascita, basato su ricerche di diverse fonti, è inconcludente, ma si stima che l’artista sia nato nel 1910 (Fondazione Biennale di São Paulo) o nel 1922 (Catalogo della sua prima mostra personale a Fortaleza, 1961; Estrigas, 1988). Chico da Silva, fin da giovane, ha viaggiato in tutto il nord e il nord-est del Brasile prima di stabilirsi a Fortaleza, Ceará.
All’inizio degli anni ’40, iniziò a disegnare con carboncino e gesso sulle pareti delle case a Praia Formosa. Nel 1943, Chico incontrò il pittore svizzero Jean-Pierre Chabloz (1910-1984), che lo introdusse nel circuito artistico locale. Nello stesso anno, partecipò alla mostra collettiva Salão de Abril, seguita dal 3° Salão Cearense de Belas Artes, nel 1944. Barboza Leite, riferendosi alla produzione iniziale di Chico nel suo libro “Esquema da Pintura no Ceará” (1949), la descrisse come segue: “[…] le forme imprecise e nebulose, ma dosate con un’intensità poetica su tutta la superficie, dei dipinti di F. Silva”.
Nel 1945, Chabloz espose i dipinti di Chico da Silva insieme ad Antonio Bandeira (1922-1967) e Inimá de Paula (1918-1999) alla Galeria Askanasy di Rio de Janeiro. Nei tre anni successivi, l’artista svizzero effettuò viaggi occasionali in Europa, tornando permanentemente nel continente nel 1948. Chabloz si dedicò a promuovere il lavoro di Chico, organizzando la sua prima mostra personale alla Galerie Pour L’Art, a Losanna, nel 1952. Nel dicembre dello stesso anno, pubblicò l’articolo “Un Indien brésilien ré-invente la Peinture” nella prestigiosa rivista d’arte Cahiers D’Art, gestita da Christian Zervos.
La partenza del suo amico e mentore ebbe un grande impatto sulla produzione di Chico da Silva, e durante il soggiorno di Chabloz in Europa, egli tenne un numero limitato di mostre in Brasile. Continuando la sua rappresentanza all’estero, partecipò nel 1956 alla mostra Arts primitifs et modernes brésiliens al Musée d’ethnographie de Neuchâtel, in Svizzera. L’inizio degli anni ’60 segnò il ritorno di Chabloz in Brasile per un breve periodo: lo svizzero tornò in Europa nel luglio 1960, dove rimase per due anni, facilitando così la reintegrazione di Chico nel gruppo di artisti di Fortaleza.
Il 10 aprile 1961, Chico da Silva inaugurò la sua prima mostra personale in Brasile, che si tenne presso la Sede dei Diários Associados, a Fortaleza, dove presentò dieci opere. Secondo il testo del catalogo presentato dall’allora Governatore Parsifal Barroso, le sue “misteriose storie delle giungle, dove animali e accidenti della natura interferiscono come se fossero creature umane […] rappresentano la migliore fase del pittore, soprattutto per la colorazione, l’immaginazione e il movimento dei temi”.
Nel 1959, Chico da Silva fu assunto dall’UFC – Università Federale del Ceará per sviluppare le attività del MAUC – Museo d’Arte dell’Università Federale del Ceará. La sua partecipazione all’Università durò fino al 1963, quando espose alla Galeria Relevo, a Rio de Janeiro, tramite l’intermediazione di Jean Boghici (1928-2015). Nello stesso anno, si avvicinò a Henrique Bluhm, che iniziò il processo di commercializzazione del suo lavoro. Fu durante questo periodo che Chico da Silva stabilì la sua immagine come il Mestre da Escola do Pirambu, collaborando strettamente con giovani artisti interessati ad apprendere l’arte della pittura. Nel 1965, partecipò alla mostra 8 peintres naïfs brésiliens alla Galerie Jacques Massol di Parigi.
Chico da Silva, il cui contributo all’arte brasiliana è innegabile, ha avuto una carriera segnata da eventi significativi e sfide personali. La sua partecipazione alla 33ª Biennale di Venezia nel 1966, dove ricevette una Menzione d’Onore, rappresenta uno dei momenti culminanti della sua carriera. L’apprezzamento per la sua tecnica meticolosa e la fusione di elementi fisici e soggettivi nella pittura hanno messo in luce il suo talento unico. La lettera di Clarival do Prado Valadares, in cui si evidenzia l’importanza delle opere non esposte, sottolinea quanto fosse innovativa la sua arte e quanto potesse rappresentare la cultura indigena brasiliana a livello internazionale.
Tuttavia, gli anni ’60 e ’70 furono anche caratterizzati da difficoltà personali, tra cui la rivendicazione di autori alternativi delle sue opere, che influenzarono negativamente la sua salute mentale e fisica. Nonostante questi ostacoli, Chico continuò a esporre e a condividere la sua visione artistica fino agli ultimi anni della sua vita. La sua morte nel 1985 a Fortaleza ha lasciato un vuoto significativo nel panorama artistico brasiliano, ma il suo legato come “genio primitivista” continua a influenzare e ispirare artisti e appassionati d’arte.
Chico da Silva è ricordato per la sua capacità di integrare le cosmologie popolari del nord e del nord-est del Brasile nelle sue opere, evidenziando la ricchezza della fauna e della flora brasiliana non solo come elementi decorativi, ma come espressioni formali dell’organicità e della complessità dell’Amazzonia.
Francisco Domingos da Silva, conosciuto come Chico da Silva, è nato ad Alto Tejo, nello stato brasiliano di Acre, figlio di un indiano peruviano e di una donna dello stato del Ceará. L’anno della sua nascita, basato su ricerche di diverse fonti, è inconcludente, ma si stima che l’artista sia nato nel 1910 (Fondazione Biennale di São Paulo) o nel 1922 (Catalogo della sua prima mostra personale a Fortaleza, 1961; Estrigas, 1988). Chico da Silva, fin da giovane, ha viaggiato in tutto il nord e il nord-est del Brasile prima di stabilirsi a Fortaleza, Ceará.
All’inizio degli anni ’40, iniziò a disegnare con carboncino e gesso sulle pareti delle case a Praia Formosa. Nel 1943, Chico incontrò il pittore svizzero Jean-Pierre Chabloz (1910-1984), che lo introdusse nel circuito artistico locale. Nello stesso anno, partecipò alla mostra collettiva Salão de Abril, seguita dal 3° Salão Cearense de Belas Artes, nel 1944. Barboza Leite, riferendosi alla produzione iniziale di Chico nel suo libro “Esquema da Pintura no Ceará” (1949), la descrisse come segue: “[…] le forme imprecise e nebulose, ma dosate con un’intensità poetica su tutta la superficie, dei dipinti di F. Silva”.
Nel 1945, Chabloz espose i dipinti di Chico da Silva insieme ad Antonio Bandeira (1922-1967) e Inimá de Paula (1918-1999) alla Galeria Askanasy di Rio de Janeiro. Nei tre anni successivi, l’artista svizzero effettuò viaggi occasionali in Europa, tornando permanentemente nel continente nel 1948. Chabloz si dedicò a promuovere il lavoro di Chico, organizzando la sua prima mostra personale alla Galerie Pour L’Art, a Losanna, nel 1952. Nel dicembre dello stesso anno, pubblicò l’articolo “Un Indien brésilien ré-invente la Peinture” nella prestigiosa rivista d’arte Cahiers D’Art, gestita da Christian Zervos.
La partenza del suo amico e mentore ebbe un grande impatto sulla produzione di Chico da Silva, e durante il soggiorno di Chabloz in Europa, egli tenne un numero limitato di mostre in Brasile. Continuando la sua rappresentanza all’estero, partecipò nel 1956 alla mostra Arts primitifs et modernes brésiliens al Musée d’ethnographie de Neuchâtel, in Svizzera. L’inizio degli anni ’60 segnò il ritorno di Chabloz in Brasile per un breve periodo: lo svizzero tornò in Europa nel luglio 1960, dove rimase per due anni, facilitando così la reintegrazione di Chico nel gruppo di artisti di Fortaleza.
Il 10 aprile 1961, Chico da Silva inaugurò la sua prima mostra personale in Brasile, che si tenne presso la Sede dei Diários Associados, a Fortaleza, dove presentò dieci opere. Secondo il testo del catalogo presentato dall’allora Governatore Parsifal Barroso, le sue “misteriose storie delle giungle, dove animali e accidenti della natura interferiscono come se fossero creature umane […] rappresentano la migliore fase del pittore, soprattutto per la colorazione, l’immaginazione e il movimento dei temi”.
Nel 1959, Chico da Silva fu assunto dall’UFC – Università Federale del Ceará per sviluppare le attività del MAUC – Museo d’Arte dell’Università Federale del Ceará. La sua partecipazione all’Università durò fino al 1963, quando espose alla Galeria Relevo, a Rio de Janeiro, tramite l’intermediazione di Jean Boghici (1928-2015). Nello stesso anno, si avvicinò a Henrique Bluhm, che iniziò il processo di commercializzazione del suo lavoro. Fu durante questo periodo che Chico da Silva stabilì la sua immagine come il Mestre da Escola do Pirambu, collaborando strettamente con giovani artisti interessati ad apprendere l’arte della pittura. Nel 1965, partecipò alla mostra 8 peintres naïfs brésiliens alla Galerie Jacques Massol di Parigi.
Chico da Silva, il cui contributo all’arte brasiliana è innegabile, ha avuto una carriera segnata da eventi significativi e sfide personali. La sua partecipazione alla 33ª Biennale di Venezia nel 1966, dove ricevette una Menzione d’Onore, rappresenta uno dei momenti culminanti della sua carriera. L’apprezzamento per la sua tecnica meticolosa e la fusione di elementi fisici e soggettivi nella pittura hanno messo in luce il suo talento unico. La lettera di Clarival do Prado Valadares, in cui si evidenzia l’importanza delle opere non esposte, sottolinea quanto fosse innovativa la sua arte e quanto potesse rappresentare la cultura indigena brasiliana a livello internazionale.
Tuttavia, gli anni ’60 e ’70 furono anche caratterizzati da difficoltà personali, tra cui la rivendicazione di autori alternativi delle sue opere, che influenzarono negativamente la sua salute mentale e fisica. Nonostante questi ostacoli, Chico continuò a esporre e a condividere la sua visione artistica fino agli ultimi anni della sua vita. La sua morte nel 1985 a Fortaleza ha lasciato un vuoto significativo nel panorama artistico brasiliano, ma il suo legato come “genio primitivista” continua a influenzare e ispirare artisti e appassionati d’arte.
Chico da Silva è ricordato per la sua capacità di integrare le cosmologie popolari del nord e del nord-est del Brasile nelle sue opere, evidenziando la ricchezza della fauna e della flora brasiliana non solo come elementi decorativi, ma come espressioni formali dell’organicità e della complessità dell’Amazzonia.
Jordy Kerwick (nato nel 1982 a Melbourne, Australia) è un artista autodidatta che ha iniziato a dipingere nel 2016. In breve tempo, ha guadagnato riconoscimento internazionale grazie al suo stile audace e crudo, caratterizzato da composizioni vivaci, espressionistiche e stilizzate.
Le sue opere sono popolate da oggetti domestici, animali predatori e creature mitiche: tappeti tassidermici decorati con forme geometriche, cobra reali a due teste, tigri feroci e unicorni piumati. Questi elementi creano un folklore contemporaneo, giocoso e misterioso.
Famoso per i suoi colorati e eclettici dipinti di nature morte, l’ultimo lavoro di Kerwick esplora elementi fantastici e visioni storiche, dando vita a paesaggi nuovi e sconosciuti. Utilizza vari materiali, come olio, acrilico e vernice spray su tela, oltre a olio stick e collage su carta. Il suo approccio, “più errori ci sono, meglio è”, celebra le connessioni inaspettate che emergono da combinazioni di colori, texture e forme.
Il sorprendente linguaggio visivo di Kerwick nasce principalmente dal suo stile di vita domestico. I riferimenti storici all’arte si intrecciano con l’iconografia antica, mescolando simboli dell’arte egizia con elementi della cultura pop, come i colori audaci dei supereroi e dei cattivi dei fumetti.
Oltre ai mondi straordinari e ai personaggi fantastici che popolano le sue tele, Kerwick presta particolare attenzione alla gestualità e all’astrattismo, creando composizioni riccamente tattili e vibranti. Il suo lessico di forme e colori, fresco e autentico, è influenzato dai grandi maestri dell’Espressionismo astratto, del Minimalismo e della pittura hard-edge, tra cui Robert Motherwell, Helen Frankenthaler, Adolph Gottlieb, Agnes Martin e il genio moderno Henri Matisse.
Tra le sue mostre personali più recenti figurano: Allouche Benais Gallery, Atene, Grecia (2021); Galerie Julie Cadet, Parigi, Francia (2021); Union Gallery, Londra, Inghilterra (2021); Pt. 2 Gallery, Oakland, California (2021, 2019); Piermarq*, Sydney, Australia (2020, 2018); Anna Zorina Gallery, New York (2019); una doppia mostra alla Masahiro Maki Gallery, Tokyo, Giappone e Parigi, Francia (2019); TW Fine Art, Brisbane, Australia (2019) e Delphian Gallery, Londra, Regno Unito (2018).
Kerwick vive e lavora ad Albi, in Francia.
Jordy Kerwick (nato nel 1982 a Melbourne, Australia) è un artista autodidatta che ha iniziato a dipingere nel 2016. In breve tempo, ha guadagnato riconoscimento internazionale grazie al suo stile audace e crudo, caratterizzato da composizioni vivaci, espressionistiche e stilizzate.
Le sue opere sono popolate da oggetti domestici, animali predatori e creature mitiche: tappeti tassidermici decorati con forme geometriche, cobra reali a due teste, tigri feroci e unicorni piumati. Questi elementi creano un folklore contemporaneo, giocoso e misterioso.
Famoso per i suoi colorati e eclettici dipinti di nature morte, l’ultimo lavoro di Kerwick esplora elementi fantastici e visioni storiche, dando vita a paesaggi nuovi e sconosciuti. Utilizza vari materiali, come olio, acrilico e vernice spray su tela, oltre a olio stick e collage su carta. Il suo approccio, “più errori ci sono, meglio è”, celebra le connessioni inaspettate che emergono da combinazioni di colori, texture e forme.
Il sorprendente linguaggio visivo di Kerwick nasce principalmente dal suo stile di vita domestico. I riferimenti storici all’arte si intrecciano con l’iconografia antica, mescolando simboli dell’arte egizia con elementi della cultura pop, come i colori audaci dei supereroi e dei cattivi dei fumetti.
Oltre ai mondi straordinari e ai personaggi fantastici che popolano le sue tele, Kerwick presta particolare attenzione alla gestualità e all’astrattismo, creando composizioni riccamente tattili e vibranti. Il suo lessico di forme e colori, fresco e autentico, è influenzato dai grandi maestri dell’Espressionismo astratto, del Minimalismo e della pittura hard-edge, tra cui Robert Motherwell, Helen Frankenthaler, Adolph Gottlieb, Agnes Martin e il genio moderno Henri Matisse.
Tra le sue mostre personali più recenti figurano: Allouche Benais Gallery, Atene, Grecia (2021); Galerie Julie Cadet, Parigi, Francia (2021); Union Gallery, Londra, Inghilterra (2021); Pt. 2 Gallery, Oakland, California (2021, 2019); Piermarq*, Sydney, Australia (2020, 2018); Anna Zorina Gallery, New York (2019); una doppia mostra alla Masahiro Maki Gallery, Tokyo, Giappone e Parigi, Francia (2019); TW Fine Art, Brisbane, Australia (2019) e Delphian Gallery, Londra, Regno Unito (2018).
Kerwick vive e lavora ad Albi, in Francia.
- Daria Dmytrenko
- Giulio Turcato
