Una pittura che stratifica e contamina. Doppio spazio e doppia mostra per Eduardo Secci a Milano
La nuova – e seconda – sede di Eduardo Secci a Milano, in via Olmetto 1, si apre con una doppia mostra, con un focus particolare sulla pittura che si stratifica e si contamina tra due progetti espositivi, Unmatter – Joshua Hagler, Luisa Rabbia e Maja Ruznic a cura di Alberto Fiz e la personale di Tillman Kaiser nello spazio sperimentale indipendente NOVO sotto la direzione artistica di Pier Paolo Pancotto. Fino al 5 agosto 2022.
Dall’ombra rinascimentale di Santa Maria delle Grazie a quella barocca di Sant’Alessandro in Zebedia, il dedalo di vie del quartiere Missori accoglie la nuova sede espositiva della Galleria Eduardo Secci, che a distanza di meno di un anno raddoppia il suo avamposto milanese. Oltre 200 metri quadrati dedicati alla ricerca contemporanea di artisti internazionali si raccolgono nel cortile di Palazzo Casati, appena accennati da una finestra che si affaccia sull’elegante via Olmetto. Procedendo parallelamente su due binari espositivi, uno classico e uno sperimentale indipendente, la galleria presenta la collettiva Unmatter – Joshua Hagler, Luisa Rabbia e Maja Ruznic, a cura di Alberto Fiz, e la personale di Tillman Kaiser a cura di Pier Paolo Pancotto.
Unmatter – Joshua Hagler, Luisa Rabbia e Maja Ruznic, a cura di Alberto Fiz
Unmatter, letteralmente “non materia”, una terra transitoria dai confini mutevoli in cui individuo e collettività si incontrano, si abbracciano e si perdono. Il quadro, prima ancora del soggetto, l’immagine restituita -figurativa o meno o appena accennata-, è il protagonista. Stratificata, ambigua e coinvolgente, la mostra presenta le opere, per lo più inedite, di Joshua Hagler (1979, Mountain Home Air Force Base, Idaho, Stati Uniti), Luisa Rabbia (1970, Pinerolo, Italia) e Maja Ruznic (1983, Bosnia-Erzegovina) in un intreccio visivo ed emotivo che, nonostante l’autonomia linguistica di ciascun artista, raccoglie i lavori in un’unica sinfonia corale. L’esperienza totalizzante del processo creativo accomuna infatti le poetiche dei tre; non si tratta di una semplice collettiva ma di un vero e proprio progetto espositivo “che ha la capacità di esprimere lo stesso atteggiamento nei confronti della pittura”, spiega Alberto Fiz. Dalle ampie e pastose campiture di Hagler alla stratificazione di segni e impronte nelle tele raschiate di Luisa Rabbia, fino ai passaggi interrotti tra forma e colore di Ruznic, a poco a poco, come quando si passa da un luogo esterno estremamente illuminato a uno spazio interno, l’attenzione rivela assonanze e dissonanze, in un complesso gioco di segni e suggestioni in cui la materia traduce e restituisce gli abissi del paesaggio interiore (Luisa Rabbia), l’esplorazione del Nord America ottocentesco, la fantascienza moderna e le tradizioni dell’arte religiosa italiana (Joshua Hagler), i temi della nostalgia e del trauma dovuto all’esperienza della guerra (Maja Ruznic).
NOVO: Tillman Kaiser, a cura di Pier Paolo Pancotto
È la prima mostra personale in Italia di Tillman Kaiser (nato nel 1972 a Graz, Austria), l’esposizione presentata negli spazi di NOVO, il progetto espositivo indipendente della galleria Eduardo Secci inaugurato nel 2021 e dedicato alla ricerca sperimentale contemporanea, la cui curatela per i prossimi due anni è affidata a Pier Paolo Pancotto. Pittura, disegno, fotografia, serigrafia, collage e scultura compongono l’opera di Kaiser tra evocazioni del Futurismo e del primo Modernismo. Astrazioni simmetriche a tecnica mista, olio e acquerello su cianotipi, fotogrammi e fotografie invadono lo spazio che si affaccia su via Olmetto con installazioni e sculture site-specific, tutte realizzate tra il 2020 e il 2022. Un processo creativo che si affida al caso, in cui la materia è allo stesso tempo vittima e carnefice della natura che la invade e la pervade. Error, nei toni del blu, costituisce e riflette la profonda libertà con cui Tillman si approccia alla creazione artistica: l’incidenza non programmata della luce, la diversa e imprevedibile risposta di un colore rispetto alla materia su cui viene applicato, la mescolanza di oggetti raffinati e umili in un insieme di relazioni prive di un nesso naturale o logico ma esclusivamente immaginarie, percettive, empatiche, oniriche. Pier Paolo Pancotto paragona le opere dell’artista a caleidoscopi che, girati in direzione di una fonte luminosa, regalano visioni colorate, dinamiche e in continuo divenire della realtà, distorta, prospettica, bidimensionale, vertiginosamente infinita nella sua restituzione.
“Echi delle avanguardie storiche, dal Futurismo al Costruttivismo all’Espressionismo astratto del secondo dopoguerra passando per Cercle et Carré, affiorano nelle sue opere, a conferma del continuo slittamento sintattico che accompagna quello tecnico. Il riferimento al modernismo del primo Novecento è rafforzato soprattutto dalla scelta dei materiali utilizzati: consistenti ed effimeri allo stesso tempo, come ad esempio la carta o il cartone, che, associati a elementi appartenenti alla vita quotidiana, conferiscono alle sue opere un carattere primordiale, quasi prototipico”.
Dal testo critico di Pier Paolo Pancotto.
Joshua Hagler (1979, Mountain Home Air Force Base, Idaho, Stati Uniti) vive e lavora a Roswell in Nuovo Messico, dove si è trasferito nel 2018 per partecipare al Roswell Artist-in-Residence Program. Ha conseguito una laurea in comunicazione visiva all’Università dell’Arizona a Tucson.
La ricerca personale ed i viaggi stimolano il percorso dell’artista determinando il modo con cui unisce le influenze creative al vissuto. Affronta diversi temi, tra cui la propria educazione di americano del Midwest, l’esplorazione del Nord America del XIX secolo, la fantascienza moderna e le tradizioni dell’arte religiosa italiana. Hagler confronta idee di estrema esperienza religiosa e nozioni di identità culturali e sociali. Realizza opere di grande formato con scene spesso distorte da pennellate fluide che sfociano nell’astrazione.
Tra le mostre, in cui ha esposto dipinti, sculture, video e animazioni: “The Living Circle Us”, a cura di David Anfam, Unit London, Londra, 2021; “Drawing in the Dark”, Cris Worley Fine Arts, Dallas, 2021; “Love Letters to the Poorly Regarded”, Roswell Museum and Art Center, Roswell, 2018; “The River Lethe”, Brand Library & Art Center, Los Angeles, 2018, “With Liberty and Justice for Some”, Children’s Museum of the Arts, New York, 2018; “Dreams and Fevers”, Torrance Art Museum, Los Angeles, 2018. Nel 2021 ha pubblicato la sua prima monografia “This is the Picture”. Inoltre, è autore di poesie e saggi.
Joshua Hagler (1979, Mountain Home Air Force Base, Idaho, Stati Uniti) vive e lavora a Roswell in Nuovo Messico, dove si è trasferito nel 2018 per partecipare al Roswell Artist-in-Residence Program. Ha conseguito una laurea in comunicazione visiva all’Università dell’Arizona a Tucson.
La ricerca personale ed i viaggi stimolano il percorso dell’artista determinando il modo con cui unisce le influenze creative al vissuto. Affronta diversi temi, tra cui la propria educazione di americano del Midwest, l’esplorazione del Nord America del XIX secolo, la fantascienza moderna e le tradizioni dell’arte religiosa italiana. Hagler confronta idee di estrema esperienza religiosa e nozioni di identità culturali e sociali. Realizza opere di grande formato con scene spesso distorte da pennellate fluide che sfociano nell’astrazione.
Tra le mostre, in cui ha esposto dipinti, sculture, video e animazioni: “The Living Circle Us”, a cura di David Anfam, Unit London, Londra, 2021; “Drawing in the Dark”, Cris Worley Fine Arts, Dallas, 2021; “Love Letters to the Poorly Regarded”, Roswell Museum and Art Center, Roswell, 2018; “The River Lethe”, Brand Library & Art Center, Los Angeles, 2018, “With Liberty and Justice for Some”, Children’s Museum of the Arts, New York, 2018; “Dreams and Fevers”, Torrance Art Museum, Los Angeles, 2018. Nel 2021 ha pubblicato la sua prima monografia “This is the Picture”. Inoltre, è autore di poesie e saggi.
Maja Ruznic (1983, Bosnia ed Erzegovina) emigra assieme alla famiglia negli Stati Uniti nel 1995, stabilendosi sulla costa occidentale. Ha studiato all’Università della California, Berkeley, e ricevuto il Master of Fine Arts al California College of the Arts.
La biografia spesso citata dell’artista, che la ritrae come una rifugiata sfuggita alla guerra in Bosnia, rappresenta solo l’inizio del suo viaggio. Maja Ruznic è un’artista prolifica e attiva, principalmente una pittrice, una narratrice che evoca la forma e la narrativa dal minerale macinato, dall’olio spalmato e dalla tela macchiata. I suoi vividi dipinti parlano da soli, raffigurando figure che sembrano emergere dalle caverne della storia umana, dai loro stessi supporti e in qualche modo dai ricordi dello spettatore. Questi dipinti violano qualcosa di intrinsecamente umano e Ruznic ci guida abilmente con umorismo nero e rappresentazioni complesse, non diversamente dal pungente, ma toccante documentario 3-D di Werner Herzog che raffigura le immagini dipinte più antiche del mondo.
Tra le sue mostre: “Hi Woman! La notizia del futuro”, a cura di Francesco Bonami, Museo di Palazzo Pretorio, Prato, 2021; “In the Sliver of the Sun: Maja Ruznic”, Harwood Museum of Art, Taos, 2021; “Parallax: A RAiR Connection Exhibition”, Roswell Museum and Art Center, 2018; “Sincerely Yours”, Torrance Art Museum, 2015. Nel 2018 ha ricevuto l’Hopper Prize. I suoi lavori sono inclusi in collezioni di musei, come il Dallas Art Museum e l’EMMA – Espoo Museum of Modern Art. Del suo lavoro è stato scritto ampiamente, in particolare su ArtMaze Magazine, Juxtapoz, San Francisco Bay Guardian, Studio Visit Magazine e due volte in New American Paintings, inclusa la copertina scelta dalla curatrice Anne Ellegood.
Maja Ruznic (1983, Bosnia ed Erzegovina) emigra assieme alla famiglia negli Stati Uniti nel 1995, stabilendosi sulla costa occidentale. Ha studiato all’Università della California, Berkeley, e ricevuto il Master of Fine Arts al California College of the Arts.
La biografia spesso citata dell’artista, che la ritrae come una rifugiata sfuggita alla guerra in Bosnia, rappresenta solo l’inizio del suo viaggio. Maja Ruznic è un’artista prolifica e attiva, principalmente una pittrice, una narratrice che evoca la forma e la narrativa dal minerale macinato, dall’olio spalmato e dalla tela macchiata. I suoi vividi dipinti parlano da soli, raffigurando figure che sembrano emergere dalle caverne della storia umana, dai loro stessi supporti e in qualche modo dai ricordi dello spettatore. Questi dipinti violano qualcosa di intrinsecamente umano e Ruznic ci guida abilmente con umorismo nero e rappresentazioni complesse, non diversamente dal pungente, ma toccante documentario 3-D di Werner Herzog che raffigura le immagini dipinte più antiche del mondo.
Tra le sue mostre: “Hi Woman! La notizia del futuro”, a cura di Francesco Bonami, Museo di Palazzo Pretorio, Prato, 2021; “In the Sliver of the Sun: Maja Ruznic”, Harwood Museum of Art, Taos, 2021; “Parallax: A RAiR Connection Exhibition”, Roswell Museum and Art Center, 2018; “Sincerely Yours”, Torrance Art Museum, 2015. Nel 2018 ha ricevuto l’Hopper Prize. I suoi lavori sono inclusi in collezioni di musei, come il Dallas Art Museum e l’EMMA – Espoo Museum of Modern Art. Del suo lavoro è stato scritto ampiamente, in particolare su ArtMaze Magazine, Juxtapoz, San Francisco Bay Guardian, Studio Visit Magazine e due volte in New American Paintings, inclusa la copertina scelta dalla curatrice Anne Ellegood.
Luisa Rabbia (1970, Pinerolo, Italia) vive e lavora a Brooklyn, NY. Si è formata all’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino.
L’artista fonde le distinzioni fatte tra l’umano e il naturale, esprimendo empatia con il cosmo attraverso i paesaggi organici e corporei dei suoi ampi dipinti La scala delle sue opere si adatta ai temi esplorati rappresentando spesso figure astratte sovrapposte che si uniscono e spezzano, superando apparentemente la loro fisicità. L’artista allude a processi naturali interconnessi che sviluppano un filo conduttore tra microcosmi e macrocosmi e li intrecciano in uno stato nebuloso primordiale. In continua evoluzione e trasformazione, le sue forme in tonalità espressive evocano anche transizioni spirituali. A una osservazione più ravvicinata e a un livello più intimo, il suo processo fisico e intuitivo diventa visibile con la pittura ritmicamente raschiata, la stratificazione dei segni di matita e le impronte dei polpastrelli. Rabbia si riferisce alle minuscole tracce che ognuno lascia nel corso della vita, ma allo stesso tempo afferma una visione espansiva e interconnessa di un universo più ampio.
Tra le mostre personali: Collezione Maramotti, Reggio Emilia; Isabella Stewart Gardner Museum, Boston; Fundación PROA, Buenos Aires; Fondazione Querini Stampalia, Venezia; Fondazione Merz, Torino. Tra le mostre collettive: Magazzino Italian Art Foundation, Cold Spring, New York; Manifesta 12, Palazzo Drago, Palermo; Palazzo delle Esposizioni, Roma; Biennale del Disegno 2016, Museo della Città, Rimini; Lismore Castle; Shirley Fiterman Art Center, New York; Maison Particulière, Bruxelles; Carpenter Center for the Visual Arts, Università di Harvard, Cambridge; Museo del Novecento, Milano; MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma; Museum of Contemporary Art Shanghai.
Luisa Rabbia (1970, Pinerolo, Italia) vive e lavora a Brooklyn, NY. Si è formata all’Accademia Albertina di Belle Arti di Torino.
L’artista fonde le distinzioni fatte tra l’umano e il naturale, esprimendo empatia con il cosmo attraverso i paesaggi organici e corporei dei suoi ampi dipinti La scala delle sue opere si adatta ai temi esplorati rappresentando spesso figure astratte sovrapposte che si uniscono e spezzano, superando apparentemente la loro fisicità. L’artista allude a processi naturali interconnessi che sviluppano un filo conduttore tra microcosmi e macrocosmi e li intrecciano in uno stato nebuloso primordiale. In continua evoluzione e trasformazione, le sue forme in tonalità espressive evocano anche transizioni spirituali. A una osservazione più ravvicinata e a un livello più intimo, il suo processo fisico e intuitivo diventa visibile con la pittura ritmicamente raschiata, la stratificazione dei segni di matita e le impronte dei polpastrelli. Rabbia si riferisce alle minuscole tracce che ognuno lascia nel corso della vita, ma allo stesso tempo afferma una visione espansiva e interconnessa di un universo più ampio.
Tra le mostre personali: Collezione Maramotti, Reggio Emilia; Isabella Stewart Gardner Museum, Boston; Fundación PROA, Buenos Aires; Fondazione Querini Stampalia, Venezia; Fondazione Merz, Torino. Tra le mostre collettive: Magazzino Italian Art Foundation, Cold Spring, New York; Manifesta 12, Palazzo Drago, Palermo; Palazzo delle Esposizioni, Roma; Biennale del Disegno 2016, Museo della Città, Rimini; Lismore Castle; Shirley Fiterman Art Center, New York; Maison Particulière, Bruxelles; Carpenter Center for the Visual Arts, Università di Harvard, Cambridge; Museo del Novecento, Milano; MAXXI Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma; Museum of Contemporary Art Shanghai.
La pratica artistica di Tillman Kaiser combina diversi linguaggi, tra cui pittura, disegno, fotografia, serigrafia, collage e scultura. Il suo lavoro astratto a tecnica mista è caratterizzato da composizioni simmetriche generate da una ripetizione e distorsione prospettica di segni grafici. L’artista dipinge ad olio e acquerello sulle superfici di cianotipi, fotogrammi e fotografie applicate su tela e carta. I dipinti da cui emergono i motivi moltiplicati, risultando in un effetto caleidoscopico, interagiscono con opere scultoree di aspetto futuristico. Concepite utilizzando materiali semplici come il cartone, costituiscono forme geometriche ripetitive, che evocano le avanguardie e il primo modernismo
Tillman Kaiser (1972, Graz, Austria) vive e lavora a Vienna. Il pittore e scultore ha studiato con Friedensreich Hundertwasser e Hubert Schmalix all’Accademia di Belle Arti di Vienna. Le sue opere sono state esposte presso Belvedere 21 a Vienna (2021), Secession a Vienna (2019), 21er Haus a Vienna (2017, 2014, 2012), Museo Pietro Canonica a Roma (2016), WallRiss Kunstraum e Kunsthaus Langenthal a Friburgo ( 2014), Kunsthalle Krems Factory (2013), Museum Belvedere di Vienna (2010), Contemporary Art Center di Vilnius (2010), Kunsthalle Wien di Vienna (2010), Yerba Buena Center for the Arts di San Francisco (2009), Neue Galerie Graz (2007).
La pratica artistica di Tillman Kaiser combina diversi linguaggi, tra cui pittura, disegno, fotografia, serigrafia, collage e scultura. Il suo lavoro astratto a tecnica mista è caratterizzato da composizioni simmetriche generate da una ripetizione e distorsione prospettica di segni grafici. L’artista dipinge ad olio e acquerello sulle superfici di cianotipi, fotogrammi e fotografie applicate su tela e carta. I dipinti da cui emergono i motivi moltiplicati, risultando in un effetto caleidoscopico, interagiscono con opere scultoree di aspetto futuristico. Concepite utilizzando materiali semplici come il cartone, costituiscono forme geometriche ripetitive, che evocano le avanguardie e il primo modernismo
Tillman Kaiser (1972, Graz, Austria) vive e lavora a Vienna. Il pittore e scultore ha studiato con Friedensreich Hundertwasser e Hubert Schmalix all’Accademia di Belle Arti di Vienna. Le sue opere sono state esposte presso Belvedere 21 a Vienna (2021), Secession a Vienna (2019), 21er Haus a Vienna (2017, 2014, 2012), Museo Pietro Canonica a Roma (2016), WallRiss Kunstraum e Kunsthaus Langenthal a Friburgo ( 2014), Kunsthalle Krems Factory (2013), Museum Belvedere di Vienna (2010), Contemporary Art Center di Vilnius (2010), Kunsthalle Wien di Vienna (2010), Yerba Buena Center for the Arts di San Francisco (2009), Neue Galerie Graz (2007).
